Programm

Filiae tonitrui. Ein musikalisches Porträt des heiligen Jakobus im 12. Jahrhundert ist ein Programm, das der Figur des Iacobus Santiago gewidmet ist und vollständig auf dem berühmten Codex Calixtinus basiert, einer der bedeutendsten musikalisch-liturgischen Quellen des Mittelalters. Die Texte der ausgewählten Werke erzählen vom Leben, von den Wundern und von der Verehrung des Heiligen und verbinden erzählerische Elemente mit Lobgesängen und Gebeten.

Der Titel bezieht sich auf den biblischen Beinamen Boanerges (“Donnersöhne”), mit dem Jesus Jakobus und seinen Bruder Johannes bezeichnete. Filiae tonitrui (die “Töchter des Donners”) verweist auf die klangliche Kraft und Ausdrucksstärke des weiblichen Ensembles, das dieses Repertoire zum Leben erweckt.

Musikalisch bietet das Programm einen Einblick in die vielfältigen Kompositionspraktiken des 12. Jahrhunderts: einstimmige Gesänge, zweistimmige Organa und Conductus sowie Contrafacta, neben eigens im 12. Jahrhundert entstandenen Kompositionen. Obwohl für die Liturgie der Kathedrale von Santiago de Compostela bestimmt, wurde diese Musik vermutlich im Burgund zusammengestellt und komponiert und spiegelt damit die europäische Dimension der mittelalterlichen Pilgerwege wider.

© Josu Gastón

Das Projekt EVOCA (Exploración de la Vocalidad y la Oralidad del Canto Antiguo) entstand 2021 aus der Begegnung von vier Sängerinnen, die ein gemeinsames Interesse an mittelalterlichen Vokalrepertoires und den damit verbundenen Aufführungspraktiken teilen: Oralität und Gedächtnisarbeit, Vokalität und Temperamente, polyphone Improvisation sowie die Interpretation alter Notationen. Aufbauend auf der langjährigen Forschung von Paloma Gutiérrez del Arroyo entwickelt sich das Projekt heute gemeinsam mit Ana Arnaz, Èlia Casanova und Amparo Maiques.

Von Beginn an wurde EVOCA von der Aula de Música der Universidad de Alcalá de Henares, dem Centre del Carme Cultura Contemporània in Valencia sowie dem französischen Festival Voix et route romane unterstützt. Eine zweijährige künstlerische Residenz in Alcalá de Henares spielte eine zentrale Rolle für die Vertiefung der Arbeit an mündlicher Überlieferung und musikalischem Gedächtnis. Derzeit widmet sich EVOCA in Zusammenarbeit mit Prof. Carmen Julia Gutiérrez (Universidad Complutense de Madrid) einer neuen Forschungsrichtung zur Interpretation des altspanischen Gesangs.

Die „Hypnerotomachia Poliphili”, 1499 in Venedig von Aldus Manutius gedruckt, ist eines der rätselhaftesten Bücher des 15. Jahrhunderts – ein visionärer Roman von aussergewöhnlicher erzählerischer und visueller Kraft, zugleich ein Meilenstein der Buchgeschichte.

Die Handlung folgt Poliphilo auf einer symbolischen Liebesreise durch einen Traum im Traum, auf der Suche nach der Nymphe Polia. Die labyrinthische Struktur, die überbordende Fülle an naturkundlichen und architektonischen Details sowie die berühmten perspektivischen Holzschnitte – revolutionär für ihre Zeit – erzeugen eine beinahe psychedelische Bildwelt. Zugleich wirft das Werk für seine Epoche erstaunlich moderne Fragen auf: Vermutlich vom Dominikanermönch Francesco Colonna verfasst, verbindet es heidnische Mythologie, Sinnlichkeit und spirituelle Allegorie. Die Figur der Polia, zunächst stumme Projektionsfläche männlichen Begehrens, gewinnt im Verlauf der Erzählung eine eigene Stimme und öffnet einen Reflexionsraum über weibliche Selbstbestimmung.

Das Projekt Polia Potente übersetzt diese Geschichte in eine musikalisch-szenische Form und verbindet Klang, Text und Bild. Die Musik des Programms – sie spielt im Roman selbst eine zentrale Rolle – greift auf die frühesten venezianischen Musikdrucke zurück, insbesondere auf Ottaviano Petruccis Frottola-Sammlungen (1501–1504). Dieses weltliche polyphone Genre, Vorläufer des Madrigals, fungiert hier als emotionaler und dramaturgischer Kommentar zur Erzählung. Ergänzt wird das Repertoire durch Werke von Komponisten wie Alexander Agricola, deren kunstvolle Polyphonie die Raffinesse der frühen Instrumentalmusik um 1500 hörbar macht.

© Andrew Burn

Artemis Consort

Interpretin dieses Konzepts ist das Artemis Consort, bestehend aus vier auf Renaissance-Musik spezialisierten Musikerinnen, die sich an der Schola Cantorum Basiliensis kennengelernt haben: Emma-Lisa Roux (Laute, Sopran), Liane Sadler (Renaissance-Querflöte), Maya Webne-Behrman (Renaissance-Violine und Viola d’Arco) und Carolin Margraf (Renaissanceharfe, Leitung). In Zusammenarbeit mit der Videokünstlerin Silvia Fabiani entsteht ein immersiver Bühnenraum aus Licht, Projektion und Bewegung. Visuelle und klangliche Ebenen verschmelzen zu einem gemeinsamen Erzählstrom und lassen das Publikum unmittelbar in Poliphilos Traumwelt eintauchen.

Peter Bichsels Der Busant, 1985 bei Luchterhand erschienen, trägt den Untertitel „Von Trinkern, Polizisten und der schönen Magelone“. Die Novelle spielt mit dem Stoff einer mittelalterlichen Liebes- und Abenteuergeschichte und verlegt sie in eine moderne Alltagswelt. Busant heisst ein reicher Heimwehsolothurner, mit dessen Geld Solothurns Altstadt „schöngemacht“ wird. Busant ist aber auch der Name des Vogels, der die mittelalterliche Geschichte von der schönen Magelone und dem Grafen Peter von Provence, die Geschichte einer lebenslangen Liebe und Suche, ausgelöst hat. Und die schöne Magelone ist nicht nur eine Königstochter aus dem fernen Neapel, sondern auch eine ewig betrunkene Sekretärin oder Serviertochter aus dem heutigen Solothurn.

Bichsel entzaubert den mittelalterlichen Liebesroman, indem er seine grossen Motive – Treue, Suche, Schicksal – in eine kleinbürgerlich-verwaltete Moderne stellt. Die Figuren sind nicht mehr heroisch, sondern funktional: Sekretärinnen, Angestellte, Reisende. Liebe wird nicht verhindert durch Drachen oder Wälder, sondern durch Routine, Spracharmut, soziale Rollen und institutionelle Abläufe. Das Tragische ist nicht das Unglück, sondern die Normalität.

© Bettina Matthiesen

Désirée Meiser

Désirée Meiser wurde in Königstein (Deutschland) geboren und lebt heute als Schweizer Staatsbürgerin in Basel. Nach einem Studium der Geschichte, Theaterwissenschaften und Russisch in Berlin absolvierte sie ihre Schauspielausbildung an der Staatlichen Schauspielschule Hannover. Nach ihrem ersten Engagement am Staatstheater Darmstadt wurde sie 1988 von Frank Baumbauer an das Theater Basel engagiert, dessen Ensemble sie bis 1993 angehörte. Parallel zu ihrer Schauspielarbeit absolvierte sie eine professionelle Gesangsausbildung und wandte sich zunehmend dem Musiktheater zu.
Als Sängerin, Schauspielerin und Regisseurin wirkte sie in zahlreichen Musiktheaterproduktionen mit und entwickelte eigene Projekte, unter anderem für das Theater Basel, die Opera São Carlos in Lissabon und das Teatro La Fenice in Venedig. 2002 gründete sie gemeinsam mit der Musikdramaturgin Ute Haferburg den Gare du Nord in Basel, den Bahnhof für zeitgenössische Musik und Musiktheater, den sie bis Juli 2024 künstlerisch leitete. In dieser Zeit etablierte sie das Haus als international anerkanntes Zentrum für zeitgenössisches Musiktheater.
Als Regisseurin und künstlerische Leiterin realisierte sie zahlreiche Projekte an der Schnittstelle von Alter und Neuer Musik, unter anderem in Zusammenarbeit mit dem Lucerne Festival, der Hochschule für Musik Basel und der Schola Cantorum Basiliensis. Zu ihren Arbeiten gehören *NACHT* von Georg Friedrich Haas, WyttenbachMatterial nach Mani Matter, LAMENTO sowie Senza Ora, eine Auseinandersetzung mit dem Begriff der Zeit anhand von Werken von Froberger, Bach, Cavalli, Maderna und zeitgenössischen Komponisten.
Désirée Meiser ist zudem als Sprecherin und Rezitatorin tätig und engagiert sich seit vielen Jahren als Mentorin für junge Musiker. 2023 erhielt sie den Kulturpreis der Stadt Basel.

Beles, belles…

Im Herzen des 13. Jahrhunderts, im nordfranzösischen Raum, entsteht ein ebenso seltenes wie faszinierendes poetisches Korpus: die chansons de toile, auch chansons d’histoire genannt. Diese in altfranzösischer Sprache (langue d’oïl) verfassten Gedichte, überliefert in mittelalterlichen Handschriften, verleihen einem weiblichen „Ich“ ihre Stimme, welches mit überraschender Kraft und zugleich grosser Zartheit das Recht auf liebendes Begehren einfordert.
Charakteristisch für diese Kompositionen ist die enge Verbindung von Erzählung und alltäglicher Geste: Die junge Protagonistin adligen Standes singt, während sie liest, webt oder stickt. Die Beschäftigung mit der toile, dem Stoff, ist dabei weit mehr als blosse Rahmung – sie wird zur Metapher einer sich dehnenden Zeit, des Wartens und der Trennung vom Geliebten. In einer Epoche, in der das höfische Ideal allmählich zu bröckeln beginnt, versuchen diese weiblichen Figuren, Langeweile und Verzweiflung durch Imagination und Gesang zu überwinden und verwandeln die häusliche Tätigkeit in einen Raum der Rêverie und der inneren Selbstbehauptung.
Schönheit und Begehren durchziehen diese Texte mit nahezu ritualhafter Eindringlichkeit: Das Adjektiv bele kehrt wie ein Leitmotiv wieder und beschwört leuchtende Gestalten wie Bele Yolanz oder Bele Doette. Weibliche Schönheit erscheint hier nicht als passives Objekt, sondern als aktive Kraft, die Wort, Musik und Erzählung hervorbringt. Zwischen archaisierender epischer Dichtung und Liebeslyrik zeichnen die chansons de toile vielfältige Wege der Liebe nach – geprägt von Distanz, Hindernissen und Schwebezuständen.
Aus musikalischer Perspektive sind diese Lieder wahre klangliche Kleinode. Die teils reich verzierten Melodielinien verlangen grosse interpretatorische Feinheit und lassen die Spannung der gedehnten Zeit sowie das unerfüllte Begehren besonders deutlich hervortreten. Ob von Frauen verfasst oder nicht: Die Stimme, die sie durchzieht, spricht von ihnen und für sie – jenseits der Grenzen der ihnen zugewiesenen geschlossenen Welt. Die musikalische Ausführung, orientiert am mittelalterlichen Ideal weiblicher Schönheit, wird so zu einem integralen Bestandteil des Ausdrucks amorösen Begehrens.

Diabolus in musica

Die musikalische Interpretation liegt in den Händen von Axelle Tamby Bernage, deren Stimme die chansons de toile mit Sensibilität und feiner Nuancierung zum Leben erweckt und die expressive Vielfalt dieses mittelalterlichen Repertoires ebenso wie die Tiefe seines weiblichen „Ichs“ hörbar macht. Auf der Fidel begleitet und kommentiert Nicolas Sansarlat, künstlerischer Leiter von Diabolus in musica, den Gesang, trägt die melodische Linie und verleiht ihr einen Klang, der Spannung, Erwartung und die Poesie der in diesen Liedern beschworenen schwebenden Zeit einfängt. Gemeinsam entwickeln die beiden Musiker:innen eine intime und zugleich raffinierte Interpretation, die die emotionale Kraft und die erstaunliche Modernität dieses Repertoires des 13. Jahrhunderts eindrucksvoll erfahrbar macht.